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Inocencia distorsionada con la realidad...

Nacido en Pekín en el año de 1981 y teniendo experiencia como pintor, Zhang Peng cada vez se ha enfocado más en la fotografía. Es graduado en el 2001 de la Escuela Secundaria de Arte Wu Zuo Ren. Su fotografía se centra principalmente en la visión engañosa de la inocencia infantil. Sus composiciones tiene un gran sentido del drama, con colores intensos, teatralidad incesante, prospectivas de ángulos oscuros que crean un sentido de artificio y una ilusión de la realidad. Insiste en los ojos que son manipulados para mejorar esa “impecable” apariencia, en referencia a los “occidentalizados “ideales femeninos que se difunden en los medios de comunicación, así como una creciente tendencia a la cirugía plástica.

Anthony Gormley en MARCO

Anthony Gormley (Londres, 1950) descubrió el camino hacia la escultura a través del estudio del ser humano; antropólogo, arqueólogo e historiador de arte, Gormley trabaja con la figura humana como un lugar para explorar la memoria y la condición del hombre en sus roles sociales e individuales. Centra su atención en el cuerpo como sujeto, como objeto y como espacio, recorriéndolo desde su propio cuerpo y expandiendo el territorio desde la individualidad hacia la colectividad como un solo movimiento.

Sus instalaciones, objetos y esculturas toman el cuerpo humano como punto de partida, ya sea considerándolo como una multitud de formas, como huella o como una presencia que ocupa un espacio determinado, la obra de Gormley deja ver las relaciones entre peso, volumen, individualidad y colectividad.

Tuvo una reciente exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y en esta muestra, el espectador podrá apreciar una amplia retrospectiva de su indagación sobre el cuerpo y su interacción con el entorno.

Interesado en su etapa más reciente por el problema de la concentración de individuos en las ciudades modernas y por las formas de relación surgidas entre la colectividad, el británico ha tratado, a lo largo de su trayectoria artística, iniciada a comienzos de los ochenta, de otorgar nuevos significados a nuestro cuerpo, de cuestionar su tradicional posicionamiento respecto al espacio y de conferirle un papel preponderante en la creación contemporánea.

Su objetivo último es investigar los ámbitos en los que las personas desarrollan su existencia y el modo en que actúan respecto a ellos. Emplea para ello materiales inusuales y simbólicos, desde el pan al plomo pasando por el caucho o la ropa, imprescindibles, según el autor, para aquellos individuos sólo preocupados por cubrir sus necesidades materiales.

We both win...

Sarah Silver

El amor de Sarah por la fotografía comenzó desde niña cuando asistía a su abuelo en el cuarto oscuro del estudio. A partir de entonces, la cámara nunca se separó de sus manos. Debido a que estudió desde muy temprana edad tanto danza clásica como danza moderna, Sara siempre ha tenido una admiración por el movimiento.

Al terminar su primer año de estudios del Medio Oriente en la Universidad Vassar, ella descubrió que su verdadera vocación era la combinación de ambas pasiones: fotografía y movimiento.



Realizó sus estudios de fotografía en la Universidad de Artes Visuales de Nueva York y mientras concluía su maestría en fotografía, Sara fue elegida para tomar las fotografías en la edición Avant Guardian de la revista Surface. Este trabajo como fotógrafo de modas marcó el verdadero inicio de su carrera profesional como fotógrafo. Al utilizar en la alta costura bailarines como modelos el estilo de Sara se definió.

Después, Sarah tomó las fotografías de su tesis, dos historias de moda, utilizando al grupo de danza moderna de Stephen Petronio, bailaron con ropa de Prada una imitación de Cristo. Estas fotografías han aparecido desde entonces en varias revistas incluyendo PDN/PIX, Italian Vogue, Elle y Time Out NY.